La pasión por el arte de Johan Rodríguez 

La pasión por el arte
de
Johan Rodríguez
 

Autora: Kelly Giraldo

Facultad de Humanidades y Artes

Desde sus primeros años de vida, Johan Rodríguez ha encontrado en el arte su más profunda vocación. Su viaje comenzó en la infancia, cuando el dibujo se convirtió en un refugio creativo para su imaginación, captando así la atención de aquellos que reconocían su talento como algo innato. Este amor por el arte lo llevó a perfeccionar su técnica de manera autodidacta y a explorar nuevas formas de expresión que lo llevarían a compartir durante años la pasión por el arte en varios escenarios, incluyendo la Universidad Santiago de Cali. 

Pienso que la intervención humana o la conexión directa entre el ser humano, el arte y las emociones dan lugar a obras y escenarios impresionantes que reflejan lo real, los sentimientos y lo cotidiano de manera espectacular. 

¿Cuántos años lleva dedicándose al arte?  

Desde muy joven sentía pasión por el dibujo, mis compañeros o las personas que notaban mi talento solían pagarme por mis creaciones. Comencé a perfeccionar mi técnica de forma empírica. Hace 20 años, la Universidad Santiago de Cali me brindó la oportunidad de unirme como educador de arte y dibujo en el bloque 6. Con el tiempo, esta institución me permitió expandir mis horizontes, al organizar conferencias y exposiciones, hasta llegar al punto en que me ofrecieron un espacio para que todos los días pudiera mostrar públicamente mis pinturas. 

 Además, durante este período, tuve el privilegio de pintar la capilla de la universidad. 

¿Dónde encuentra inspiración para su trabajo? 

Encuentro inspiración en diversos aspectos de la vida cotidiana y en la belleza que reside en la naturaleza. También me inspira la obra de otros artistas, tanto clásicos como contemporáneos, así como la literatura y el cine. 

¿Quién ha sido su mayor influencia artística? 

Mi mayor influencia artística no se limita a una sola persona, sino que es el resultado de la amalgama de distintos artistas que han dejado una huella en mí, desde maestros del realismo mágico, como Gabriel García Márquez, hasta artistas contemporáneos cuyas obras me ha impactado profundamente. 

¿Cuándo comenzó a pintar o a crear arte? 

Desde una edad temprana, me destacaba entre mis compañeros en las actividades artísticas organizadas por mi profesor en clase, todo gracias a mis creaciones. Con el tiempo, mi entorno comenzó a reconocer y valorar mi talento, el cual cultivaba día tras día. Sin embargo, fue en la Universidad Santiago de Cali donde encontré la manera ideal de combinar mis habilidades artísticas con la enseñanza, convirtiendo mis cuadros de pintura en mi fuente de sustento mientras inspiraba a otros. 

¿Qué técnicas o materiales prefiere utilizar en sus obras? 

Prefiero trabajar con técnicas tradicionales, como el óleo sobre lienzo, ya que me permiten expresar de manera más fiel mi visión artística. Me gusta mover mis manos, sentir el olor de la pintura y recrear espacios, así como percibir texturas y observar detenidamente lo que voy a retratar. Sin embargo, en ocasiones, recurro a plataformas de dibujo para luego retocar los detalles. Por lo general, mi enfoque se centra en la técnica figurativa, que consiste en representar figuras reconocibles de la naturaleza, como personas, animales u objetos, de manera realista o semirrealista. También exploro otras técnicas, como el carboncillo, la aerografía o en ocasiones simplemente aplico una técnica mixta para dar versatilidad a las obras de arte.                                                                              

¿Cómo describiría su proceso creativo, cómo son las etapas desde la idea inicial hasta la obra terminada? 

Cuando quiero recrear un escenario para posteriormente plasmarlo en un lienzo, siempre me conecto a través de los sentidos a la situación o el entorno que quiero retratar. Por ejemplo, si voy a pintar un campo o un lugar con personas, imagino el aroma de la naturaleza, la textura de las rocas bajo mis manos y el sonido del agua. Luego, transfiero esas sensaciones al lienzo, conectando cada detalle con lo que puedo ver, oler, tocar y sentir en mi imaginario.  

Prefiero iniciar trazando formas básicas y círculos, como punto de partida. Esta técnica me permite construir gradualmente una composición más compleja y detallada. Creo firmemente que una obra de arte excepcional se crea a partir de la armonía entre elementos simples, que al fusionarse dan vida a formas y estructuras más elaboradas. 

 

 

¿Por qué eligió dedicarse al arte?  

Elegí dedicarme al arte porque siento una profunda conexión con la creación y la expresión artística. Siento que el arte no es solo producir y pintar, es conocer de historia, cultura, entender qué hay detrás de cada concepto; es comunicar ideas, emociones y experiencias de una manera única y poderosa. Lo que me motiva a seguir creando es la búsqueda constante de significado y belleza en el mundo que me rodea, así como el deseo de compartir mi visión y mi voz con los demás. 

El arte que usted produce ¿cómo puede impactar a las personas? 

Mi arte tiene el potencial de impactar a las personas de diversas maneras. Puede despertar emociones, provocar reflexiones y generar un sentido de conexión con algo más grande que el propio ser. Además, me sirve como una forma de expresar sentimientos, conceptos e incluso las ideas más locas imposibles de describir con palabras. 

¿Qué busca transmitir a través de sus obras? Cuénteme sobre alguna pieza específica. 

A través de mis obras no solo busco capturar la belleza visual, sino también incitar a reflexiones profundas sobre la condición humana y sus misterios. Me apasiona explorar temas como la identidad, la memoria y la búsqueda de significado en un mundo marcado por complejidades y cambios constantes. Inspirado por el realismo mágico creé Hipogrifo, una pieza que pinté hace años y que ejemplifica claramente la relación del hombre con lo irreal. A través de elementos fantásticos, invito al espectador a cuestionar los límites entre lo conocido y lo desconocido, explorando así la profunda conexión entre el ser humano y los misterios del universo. 

¿Cuál considera el desafío más significativo de los artistas hoy en día?  

Uno de los desafíos más significativos de los artistas hoy es encontrar un equilibrio entre la expresión personal y las demandas del mercado artístico. En un mundo cada vez más comercializado, es importante mantener la integridad y autenticidad de nuestro trabajo mientras buscamos oportunidades para compartirlo con el mundo. En mi caso particular, el desafío radica en permanecer fiel a mi visión artística mientras navego por el mundo del arte contemporáneo y busco llegar a una audiencia más amplia sin comprometer mis valores y principios creativos. 

Otro aspecto importante para considerar es el impacto de la tecnología en el arte. Ahora es fácil generar un dibujo utilizando programas como Adobe Ilustrador, e incluso solicitar a la inteligencia artificial la creación de cualquier tipo de dibujo, por más extravagante que pueda parecer. No obstante, pienso que la intervención humana o la conexión directa entre el ser humano, el arte y las emociones dan lugar a obras y escenarios impresionantes que reflejan lo real, los sentimientos y lo cotidiano de manera espectacular. 

 …Encuentro inspiración en diversos aspectos de la vida cotidiana y en la belleza que reside en la naturaleza“.

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“El arte no tiene lugar, no está para complacer ni para que le guste a nadie”: Luis Felipe Vélez.

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Autora: Sofia Gil | Keidy Salas .

Facultad de Humanidades y Artes

“El performance es una técnica de las artes que utiliza el cuerpo para dar el mensaje; interviene el espacio, independientemente si es público o privado, para manifestar, canalizar o transformar un concepto a través de una acción, específicamente a través del cuerpo”. Así explica el profesor Luis Felipe Vélez lo sucedido el pasado 21 de marzo en la Catedral Primada de Bogotá, cuando un colectivo de encapuchados pertenecientes a la Red de Artistas en Resistencia (RAR) intervino la misa con un performance en el que cuestionaban al país y su supuesta paz.
Vélez (41 años) es licenciado y magíster en Filosofía, especialista en Curaduría y Gestión de exposiciones. Es profesor desde hace quince años en estas asignaturas y tiene el portal de arte y cultura Estonoescrítica.com.

Vélez tiene un canal de YouTube en donde cuenta ‘algo de arte’.(Archivo personal)
En Colombia, ¿el performance ha sido una práctica habitual o es nueva?
El performance llega a Colombia a inicios de los años 80 con María Teresa Hincapié, y a partir de entonces comienzan a aparecer muchos, por lo que ya es una práctica habitual. Es una técnica de las artes que se utiliza tradicionalmente en las academias y en los institutos de arte.
Desde el arte, ¿es lógico y coherente el performance realizado en la catedral de Bogotá?
El mundo del arte tiene dos horizontes de realidad: el performance, dentro del horizonte de la realidad de las artes, sí tiene una importancia y una repercusión; en el horizonte de la realidad, de la fe, de la política, de la cultura, de la sociedad, rompe con lo normal, con lo establecido y, aparentemente, no tendría un fundamento. Esta acción me recuerda la de las Pussy Riot en Rusia, cuando ingresan a la catedral y comienzan a hacer música quejándose de Putin, lo que conlleva a que ellas fueran encarceladas.

Hubo un movimiento de artistas, Madonna y diferentes actores y músicos pedían que las liberaran. Entonces, en el mundo del arte esto se ha hecho ya: personas que ingresan a las catedrales más importantes de sus países para dejar una voz en contra de algo que está pasando.

¿Cree que algo falló en la ejecución de la Catedral Primada?
El performance tiene un elemento muy importante que es el registro, la producción y el montaje. Porque como es un cuerpo que está manifestándose, si no se hace claramente parece un escándalo, una bobada, una bulla o cualquier otra cosa menos una acción plástica. Por lo tanto, lo que pasó en ese momento es que faltó más producción para que las personas presentes en la Iglesia entendieran que era una acción artística. ¿Cómo hacer esto? A través de volantes, de canciones, de poesía, en YouTube, a través de divulgar que va a pasar algo ese día para que haya un precedente de que se va a hacer una acción artística y no se confundan. Hay mucha desinformación respecto de eso, pero en el fondo, a ella (‘Simona’) se la reconoce porque fue la que colocó tinta roja en las paredes de la revista Semana. Ella ya había estado en esas acciones plásticas performativas, denunciando la manera cómo los medios y las instituciones, en este caso la Iglesia, intervienen en el cuerpo o las acciones de las personas, específicamente de la mujer.
Muchos han protestado porque la intervención fue en una iglesia; sin embargo, quienes hicieron el performance dicen que el arte se puede hacer en cualquier lugar.
El arte no tiene lugar, no está para complacer ni para que le guste a nadie. El arte contemporáneo está para señalar, juzgar, criticar, reflexionar, analizar, cuestionar. Un arte acomodado, un arte dócil, un arte que se acopla a las instituciones de las personas, no es un arte útil, no es un arte que piense lo real. El arte piensa la realidad, la cuestiona, la transforma. Más allá de la apariencia de la técnica, debe plantear formas en las cuales su mensaje sea claro. Así que el arte no tiene lugar, el mensaje debe darse independientemente de este, sea en una iglesia o en el palacio de gobierno.
¿Por qué este performance se ha considerado un acto politizado e ilegal y no un acto artístico?
Lo que pasa es que estamos en elecciones y siempre va a haber mucho sabotaje de parte de la derecha, bombas que se autoimpone, de gente que hace cosas para perjudicar a los otros candidatos. Esto es algo tradicional en la historia política de Colombia; hace 60 años, cuando ocurrió el Bogotazo, se acusaba a los liberales de ser antirreligiosos porque quemaron muchas iglesias, ya que estas representaban al partido conservador. Entonces aquí hay una cosa política de fondo, la Iglesia representa algo y las acciones independientes representan otra cosa. En el marco de la política, esto va a ser muy determinante pues se va a leer desde diversas perspectivas.

¿La paz del país del sagrado corazón?
¿o del desangrado corazón?
desangrado por siglos de violencia sistemática y estructural”, un fragmento del manifiesto Paz (Tomado de: Manifiestas)
¿Considera que este acto debe ser penalizado?
No considero que deba ser penalizado porque se realizó en un lugar público. Cualquiera puede entrar ahí y manifestar públicamente su deseo, su intención, sin pegarle ni robarle a nadie; no se están quemando las sillas, no se está botando el agua bendita. Solamente se manifestó algo, no constituye una falta punible.
¿Qué es la Red de Artistas en Resistencia (RAR)?
El colectivo surge para poder generar ideas y reflexiones anti académicas; de esta manera convergen todas las técnicas, las teorías, las formas y se legalizan las acciones plásticas dentro de la academia. La RAR también busca desde este espacio de enunciación, hablar y mirar un poco más allá, planteando una contrapropuesta a las formas como la academia dice que se deben hacer las cosas; entonces se toman elementos de la academia para criticar o contraponerse frente a lo normativo o a lo institucional. Nos hablan precisamente de la forma cómo diferentes colectivos y grupos artísticos se unen en torno a una idea para pensarla, transformarla más allá de los espacios académicos y de las individualidades.
¿Colombia busca silenciar cualquier expresión artística que la cuestione?
Colombia es un país que institucional y políticamente ha silenciado diferentes formas y manifestaciones artísticas, porque necesita mantener un establecimiento a través de la imagen y el conocimiento. Si yo manipulo la conciencia de las personas a través de la imagen, resulta más sencillo inventar un discurso. Pero si la gente piensa por sí misma y sabe que ese discurso es una mentira, va a poder construir nuevos discursos que critiquen lo formal. Las artes siempre lo han hecho a través de la literatura, de la cultura; pero en Colombia ha sido muy difícil, es un país moralista, machista, católico y solapado. Aquí se esconde lo que la gente piensa, y cuando va a querer decir algo tiene miedo de cómo piensa. Por lo tanto, hay gente que se mantiene oprimida y cuando ve que otras personas se manifiestan, cambian y transforman su realidad, se molestan. El arte rompe estos ciclos históricos y su trabajo es enfrentarse a ellos.
¿Es el arte un medio para conocer nuestras diferencias y aceptarlas?
Sí, el arte posibilita entender quiénes somos y quiénes son los demás. Así como nosotros tenemos un papel, el arte nos ayuda a entender que los demás también tienen su propio papel y que podemos coexistir a través de las ideas, los pensamientos, las reflexiones, las emociones y los sentimientos. A partir de todos estos elementos nosotros aprendemos a conocernos y a entender que somos parte de algo mayor, lo que contribuye a nuestro autoconocimiento y la determinación de la identidad.
Cuando el arte es bello es aceptado, pero cuando se cuestiona es rechazado. ¿La validez del arte en esta sociedad está basada más en la estética que en la intención del autor?
Hay arte bello que también cuestiona el régimen y que es rechazado porque, en el fondo, lo que importa en el arte es el mensaje. Si el mensaje es cuestionador o crítico va a ser rechazado, no importa cómo se venda. Entonces, si la imagen está equilibrada, armoniosa, amigable, el mensaje va a llegar mucho más claramente. Una cosa no niega a la otra. Por ejemplo, hay grupos poblacionales que han sido muy educados en la imagen, creen que esta tiene valores exactos y específicos desde los cuales se debe leer. Eso es un problema de la formación y conocimiento de las artes que tenemos, porque a los colombianos no nos forman en las artes. En otros países, las escuelas públicas tienen academias de música, mientras aquí las escuelas públicas tienen dos palos de madera que se llaman clave. Una cosa es educar artísticamente en una técnica, y otra es buscar educar la estética, pues esto es educar la sensibilidad, que es un proyecto más largo.
¿Dónde comienza la libertad de expresión y dónde termina el derecho a la libertad de culto?
La libertad de expresión comienza cuando la constitución me lo permite, pues en Colombia la libertad de expresión es muy diferente a Corea del Norte, por ejemplo. Así que esa libertad de expresión comienza cuando la ley permite manifestarnos. La libertad de culto también está permitida, lo que pasa es que esa libertad de expresión está interviniendo o intercediendo plenamente con la libertad de culto. Sin embargo, esas personas intervinieron en un momento de la misa en que hay una pausa para la paz; ellos no interrumpieron al padre, ellos dejaron ejercer la libertad de culto.
Por lo tanto, pusieron su libertad de expresión permitiendo que los demás tuvieran su libertad de culto, después de que ‘terminaron’ su manifiesto, la misa continuó.

No considero que deba ser penalizado porque se realizó en un lugar público.

Cualquiera puede entrar ahí y manifestar públicamente su deseo, su intención, sin pegarle ni robarle a nadie; no se están quemando las sillas, no se está botando el agua bendita. Solamente se manifestó algo, no constituye una falta punible.

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OBSERVATORIO DE TENDENCIAS Y ESTILOS DE VIDA: ARTE URBANO EN LA SUCURSAL

Hacen bien los profesores cuando dicen que la universidad es un espacio que los estudiantes deben saber aprovechar al máximo, de manera que, en un futuro próximo proyecten sus aspiraciones profesionales, en un trabajo que potencialice su formación académica y a su vez,  fomente  la pasión y el disfrute de su profesión.

Stencil por C215 (Francia).

Este es el caso de Jesús David Rodríguez, un egresado de diseño gráfico de la Universidad del Valle, quien de estudiante observaba fascinado las propuestas artísticas, profesionales y empíricas, de los murales que decoran los variados espacios públicos del claustro universitario.

Taller de mural a cargo de Stfi y Yalus.

Desde entonces Jesús, identificó en estas artísticas paredes una valiosa oportunidad y una gran motivación laboral descubrir y apoyar el talento urbano de la ciudad y el mundo.

Fue así como lo que en un principio fue una idea, se materializó con la ayuda de su compañera de estudio Leidy Rodríguez y un gran equipo de amigos interdisciplinarios entre los que se encuentran profesionales del área de comunicación, antropología y el diseño en todas sus dimensiones, aportando en una construcción de colectivo social, sin importar las fronteras, ya que muchos de ellos son de otras ciudad y países (Pereira, Bogotá, Ecuador, Argentina) nace así el medio alternativo “Gráfica Mestiza” y el lugar de encuentro llamado “La Grafitería” donde, además de disfrutar un buen café, se pueden adquirir allí artículos con llamativos trazos e ideas  como: maletas, libros, camisetas, llaveros, mugs, stickers, comics entre multiples accesorios.

Mural por Gleo en la fachada de la Tomatera y Restaurante.

“Gráfica Mestiza” desde hace más de cinco años trabaja en la investigación y difusión del arte urbano o street art como también es conocido, impulsando artistas con gran proyección nacional e internacional, no solo desde su local o las calles coloridas, sino también desde publicación de contenidos editoriales, en los cuales han sistematizado los mejores murales artísticos que muestra a los más destacados grafiteros del mundo, además de realizar festivales, talleres de formación, exposiciones, ponencias y recientemente inaugurar, una tienda virtual para los interesados en conocer y apoyar  los artistas alternativos, todo esto en alianza con la “Fundación Culata” otra organización apasionada en dar vida a la ciudad a través del color y las pinceladas.

RECUADRO

Sobre recorrido turístico de grafiti

Salidas: Todos los sábados de 4 a 6:30pm

Lugar: La Grafitería / Calle 6 # 3 – 106 (Calle de la escopeta)

Valor: 40.000 pesos por persona. (Descuento especial para estudiantes y grupos de más de 5 personas).

Guianza:  español o inglés

El Semillero Muthesius (observatorio de Tendencias y Estilos de Vida), extiende la invitación a que los lectores participen de estos nuevos espacios de entretenimiento cultural y apoyen las iniciativas de emprendimiento que dignifican la labor del artista en cualquiera de sus manifestaciones, tan importante para la construcción del imaginario en comunidad.

Mural por Sole Moi (Argentina), censurado por un vecino del sector.

El Graffiti Tour Cali es un recorrido guiado que ofrece Gráfica Mestiza  y la Fundación Culata  y tiene como punto de partida La Grafitería y recorre a través de historias, relatos y reseñas diferentes lugares de la ciudad con grandiosos e interesantes grafitis y murales plasmados en el centro histórico, San Antonio y El Peñón (por parte de grandes artistas invitados por la misma alianza), compartiendo con los asistentes durante 2 horas y media diferentes técnicas, dinámicas, estilos, artistas y anécdotas vividas alrededor de la gráfica callejera en la ciudad de Cali en los últimos años. ‘Una experiencia que sin duda hará que veas la ciudad con otros ojos’.

Fragmento de mural realizado por Apipatán (Ecuador) en la Calle de la escopeta titulado:“Jodido pero contento”.

Por: Semillero Muthesius 

 @Muthesius360

¿Erotismo o pornografía? Dilema de una fotógrafa

Para muchos, la fotografía erótica es un movimiento artístico, pero para otros traspasa los límites de la ‘decencia’. ¿Hasta dónde debe llegar el pudor?

Tatiana Galarraga, preparada para iniciar un día lleno de fotografías y cuerpos al desnudo.

Tatiana Galarraga empezó a inmortalizar con su lente las siluetas humanas. “A muchas personas les parece que mis fotografías son un poco fuertes por el hecho de mostrar un pene o una parte del cuerpo explícitamente”, señala.

Apenas menciona la palabra ‘pene’, un hombre voltea, dirigiéndonos una mirada acusadora, con la intención de reprimirnos; una risa, entre burlesca e irónica, es la respuesta de personaje y periodista.

Un jazz de fondo en la tarde fresca de Cali, muy cerca al Parque del Perro y en los paladares sabor a cerveza; es la mejor situación que encuentra Tatiana para añadir: “si alguien se pone erecto no es porque lo estoy masturbando, es porque reacciona y eso me encanta; el cuerpo está hablando”.

Los prejuicios en torno a este tema son los culpables de distorsionar la intención que se busca con las fotografías eróticas. Es cuando los artistas que quieren romper los paradigmas de una sociedad injusta juegan un papel importante. Tatiana Galarraga es estudiante de Fotografía Artística del Instituto Popular de Cultura del Porvenir; una mujer con esencia propia y de pensamientos muy diferentes.

Un desnudo realizado con una cámara análoga -o de rollo- fue su primer contacto con la fotografía, desde ese día intenta siempre darle un toque personal a cada una, “trato de intervenir las fotografías de alguna forma, ya sea el cuerpo de la persona o la fotografía en físico, para darle un punto de vista más personal”, señala Tatiana con la seguridad de que sus obras llevan impresa su esencia.

Todo fluye en el lugar, eso lo hace posible esta artista con su energía y le gusta que suceda también en sus fotografías. Tiene una bitácora donde traza las ideas, la intención y planifica su próximo proyecto, pero muchas veces en el momento de tomar las fotos es cuando todo empieza a surgir, la imaginación trabaja y los cuerpos se conectan con el instante en el que el flash ilumina.

“Hay una serie erótica que hice de una pareja, ellos se distinguían pero nunca se habían hablado. Ahí es cuando se da una comunicación corporal y lo que quiero es que el cuerpo reaccione, siempre pongo el mismo ejemplo: cuando alguien va a bailar la mayoría de veces no conoce a esa persona que está en frente, pero hay un lenguaje corporal, y se entienden en el baile”, relata Tatiana haciendo unos movimientos sensuales imitando un baile y un desnudo de cuerpos.

Una pareja que usa el lenguaje de los cuerpos; sin conocerse pero reaccionando al momento. 

 Marcela Caicedo es Artista Plástica del Instituto Popular de Cultura y se dedica a la pintura, comparte la idea de cómo la pornografía se confunde muchas veces con lo erótico, “esto tiene que ver con los mensajes que se quieren dar. Por ejemplo, yo manejo el erotismo con un toque pornográfico porque visualmente son imágenes fuertes, pero son desde mis experiencias sexuales. Creo yo que la diferencia tiene que ver con la intención de lo que se quiere mostrar o hacer sentir”.

Personajes como estas artistas insisten en que esta doble moral de la sociedad se puede ir transformando, siempre y cuando las personas adopten una posición de respeto por las diferentes formas de pensar y una concienciación de lo que hay más allá de todas las cosas, en este caso de la fotografía erótica.

No son fotos de desnudos y ya; son cuerpos que están hablando, contando realidades, reaccionando naturalmente, demostrando la belleza de una erección o de una vagina húmeda por caricias desgarradoras; cuerpos libres que desean ser vistos con otros ojos y desde otras perspectivas.

Fotografía análoga revelada a blanco y negro; provoca diferentes sentimientos en el espectador que logra conectarse con ella.

En el diario vivir nos topamos con pensamientos, signos y sentires que hay que diferenciar para llegar a entender la posición del otro, Tatiana dice con seguridad y con un gran sentimiento: “tu fotografía es pornografía, me dice la gente y trato de ver desde qué perspectiva se ve así. Lo mío es muy natural y sé muy bien que depende mucho del contexto. Yo no vendo ni un objeto, ni mucho menos el cuerpo; trato de mostrar una realidad diferente, pero eso depende de lo que cada persona piense, si es bello o grotesco”. 

Hace falta que muchas mujeres y hombres se amen y no sientan vergüenza de su cuerpo. Que nosotras, las del ‘segundo sexo’, salgamos de esa inferioridad que la sociedad nos impone. Hace falta educación con respecto a la sexualidad y falta erotismo en la vida de muchas personas, ese que le da un toque sensual y diferente tanto a la vida individual como a la de pareja.

Por: Mariana Ruiz Herrera

  @Marianaruhe

   Fotógrafos: Mariana Ruiz Herrera, Tatiana Galarraga 

PINTANDO LA PAZ

Su pasión por el comic lo ha llevado a dibujar personajes como “tormenta” de la saga X-Men

Su padre, cuenta con tono de agradecimiento, fue quien siempre lo inspiró a dibujar y a que se formase en ese mundo del arte. “De pronto la manera en que la gente ve mis trabajos, los buenos comentarios siempre me han dado determinación, incluso mi papá me decía de pequeño: qué bonito el trabajo, muy bien hecho… cosas así, además les mostraba a las demás personas lo que yo hacía”, explica.

Son varios los referentes que lo han influenciado a pintar, pero tiene su favorito: “Me gusta mucho Leonardo Da Vinci porque realizaba todo tipo de proyectos, no solamente hacía pinturas en óleo, sino que también se enfocaba en proyectos científicos. Me identifico con él porque en ese aspecto yo también creo otra clase de obras, más allá del mero oficio de la pintura” 

La última pintura que realizó fue un retrato de Jesús, con unos médicos. “Me pareció una obra muy significativa porque fue algo original, utilicé carboncillo en lugar de óleo para crear un mayor detalle y dar un efecto mucho más realista, traté que la obra fuera más llamativa”. Obras como esta hacen que el ‘Picasso’ de la USC sea constantemente solicitado por estudiantes de diferentes carreras para sus trabajos académicos.

´Picasso’ tiene un gran sueño: “Me gustaría pintar un mural aquí en Cali: puede ser un edificio o lo que sea, pero si es más significativo, como por ejemplo una idea mía, que tenga que ver con la paz, con la tranquilidad… el cambio que las personas pueden hacer, como tomar conciencia de hacer algo mejor por el mundo, ese es mi deseo”.

  • DATOS
    • “Me gustaría pintar un mural aquí en Cali”
    • Fue así como el pintor, que antes estaba sentado frente a la antigua sede de la Cafetería La Paola, y ahora en el bloque 6. 
    • “Utilicé carboncillo en lugar de óleo para crear un mayor detalle y dar un efecto mucho más realista”: ‘Picasso’

 

Stiven Daza Prieto

  @StivenDaza95